Dlaczego opowiadamy historię: „bycie Ricardosem”, „Maria Antonina” i Presentyzm w popularnym Kinie

Kiedy trzeci film Sofii Coppoli, Marie Antoinette, miał premierę na Festiwalu Filmowym w Cannes w 2006 roku, odpowiedź była głośno i niesławnie negatywna. Chociaż niektórzy cieszyli się fantazyjnym, cukierkowym podejściem do życia i śmierci młodej królowej Francji, francuscy krytycy i festiwalowicze wygwizdali film. Krytycy Marie Antoinette w swoich recenzjach wskazywali głównie na te same części filmu, co powody, dla których tak bardzo go nienawidzili—niedokładne elementy okresu, nacisk na ekstrawagancką stylistykę nad wyraźnym komentarzem politycznym oraz wykorzystanie Marii Antoniny (Kirsten Dunst) jako zastępczyni samej Coppoli.

To ostatnie zaowocowało szczególnie pochlebnymi fragmentami recenzji dany Stevens i Rexa Reeda. Stevens nazwał Coppolę „Veruca Salt Of American filmmakers”, stwierdzając, że” jej droga do sukcesu została złagodzona, nie tylko przez jej miejsce w rodzinie Coppoli, ale przez jej własne przemyślane zarządzanie obrazem”, podczas gdy Reed potępił film jako ” histeryczną pracę dorosłej kobiety Na halucynogenach, bawiącej się XVIII-wiecznymi lalkami Barbie z przemienionymi perukami.”Postrzeganie jej pracy jako pochłoniętej sobą, frywolnej i materialistycznej wynika częściowo z przywilejów, w których urodziła się jako członek dynastii Coppoli i jej statusu najbardziej głośnej kobiety w Stanach Zjednoczonych w 2000 roku.

Oskarżając Coppolę o priorytetowe traktowanie stylu nad treścią, Todd McCarthy nazwał Marie Antoinette „nie bardziej odżywczym niż bonbon” i „łatwym do słuchania stylem filmowym”, który nie przekazuje istotnych informacji historycznych o jej bohaterach i scenerii. Duża część tej krytyki skupiała się wówczas na wykorzystaniu przez Coppolę muzyki post-punkowej z lat 80. do napisania muzyki do filmu, co było nielubiane, ponieważ zrywało ze standardowymi konwencjami dramatu z epoki. Krytycy nie wzięli pod uwagę, że te elementy nie były tylko bezmyślnymi decyzjami egocentrycznego filmowca, który nie troszczył się o prawdę. Są to przemyślane wybory artystyczne, które nadają filmowi estetyczny i narracyjny punkt widzenia.

Według historyczki Alexandry Walsham, presentism opisuje ” interpretację historii, która jest tendencyjna i zabarwiona przez współczesne troski, zainteresowania i wartości.”Termin ten ma negatywne konotacje wśród wielu historyków akademickich, którzy obawiają się, że takie podejście do badania przeszłości narusza obiektywizm tej dziedziny. Według Walshama ” jest to funkcja przekonania, że powinniśmy studiować Przeszłość dla jej własnego dobra, a nie w celu realizacji innych celów.”Jednak inni historycy odepchnęli się od tej narracji. David Armitage zastanawia się, czy możliwe jest w ogóle uniknięcie trosk teraźniejszości w badaniu historii i wskazuje na inne dziedziny, takie jak „filozofia, psychologia, historia nauki i historia literatury” jako przykłady dyscyplin, w których presentyzm nie ma ściśle negatywnego znaczenia.

Ale Maria Antonina nie jest dokumentem historycznym. Jak fikcyjna relacja z życia tej kobiety może wpaść w taką dynamikę presentyzmu? Jak pisze profesor nauk społecznych Scott Alan Metzger: „teksty, w tym filmy historyczne, są usytuowane kulturowo—tworzone przez ludzi w wyjątkowym miejscu w czasie, umiejscowione w określonej kulturze o określonych zbiorowych znaczeniach… filmowcy często używają historycznego wydarzenia jako metafory aktualnych obaw, postaw i wartości.”Ta dynamika pojawia się w jednym z głównych pretendentów do nagród w tym sezonie—Aaron Sorkin jest Ricardos.

W wywiadzie dla The Hollywood Reporter w listopadzie ubiegłego roku Sorkin wygłasza długi wykład porównujący Hollywood z czasów McCarthy ’ ego do „anuluj kulturę”, niezwykle mglistego terminu, który znacznie różni się zakresem i znaczeniem w zależności od tego, kto go definiuje. Obejmuje ona zjawiska, począwszy od wezwań do mediów społecznościowych i pupili na kimkolwiek Twitter uzna za villain du jour, do celebrytów stojących przed reperkusjami za obraźliwe zachowania seksualne, do okręgów szkolnych ograniczających nauczanie i / lub czytanie niektórych książek na lekcjach języka angielskiego. Sorkin skupia się głównie na walce z transfobią Dave 'a Chappelle’ a i usunięciu książki Harper Lee „Zabić drozda” z listy wymaganych lektur w niektórych klasach.

To wydaje się być kąt, który przyciągnął go do projektu, ponieważ otwarcie przyznaje, że nie uważa Lucille Ball lub Kocham Lucy za bardzo zabawne w wywiadzie. Łączy się to z jego ogólnym brakiem wyobraźni jako reżysera i scenarzysty, aby stworzyć produkt końcowy, który nie wnosi żadnych interesujących uwag na temat współczesnej kultury czy polityki i jest całkowicie niezainteresowany prezentowaniem czegokolwiek przypominającego historię. Lucille Ball Nicole Kidman tworzy swoje Komediowe scenariusze, jakby rozwiązywała skomplikowany problem matematyczny, rzadko nawet pękając z uśmiechem. Jak Maria Antonina różni się od Ricardos jest jak nieskazitelne jest to, w pełni oddając się nowoczesnej post-punkowej ścieżce dźwiękowej i wspaniałomyślności Wersalu. Sofia Coppola konstruuje film, który jest niewątpliwie komentarzem do 2000 roku z perspektywy 2000, w którym Aaron Sorkin próbuje bez wahania komentować przeszłość i teraźniejszość i nie udaje mu się w żadnym z nich. Coppola rozumie, że w medium Audiowizualnym, takim jak film, styl jest substancją. Współczesna partytura i przedstawienia Marii Antoniny nie są puste. Są one zawarte w celu narysowania wyraźnego związku między Marią Antoniną a nowoczesnymi (białymi) nastolatkami.

Coppola i Dunst przedstawili postać jako dorastające dziecko wepchnięte w świat absurdalnych, nieelastycznych rytuałów i obarczone ogromnym poziomem odpowiedzialności, którego nie do końca rozumie. Rozbudowane sekwencje ekstrawaganckich imprez nie są po prostu spełnieniem życzeń. „Coppola ma obsesję na punkcie przyjemności Marii Antoniny… aby wskazać dziewczynie chęć zareagowania na to, co zostało z góry ustalone—wyrzeźbić własną przestrzeń; z dala od rąk opresji … są to w rzeczywistości bardzo humanitarne rozważania o gorsetowym działaniu rytuału na Wolę Marii Antoniny … każdy dźwięk i kolor przywołuje tęsknotę i zachwyt dziewczyny, która nie rozumiała własnej odpowiedzialności.”

W przeciwieństwie do tego, Sorkin odmawia zaangażowania się w nowoczesną perspektywę komentarza społecznego na temat tego, co uważa za analogiczne do Mccarthyizmu, lub standardowego opowiadania historii. Starsze, domniemane wersje Madelyn Pugh (Alia Shawkat jako Madelyn z lat 50., Linda Lavin w teraźniejszości), Jess Oppenheimer (Tony Hale i John Rubinstein) i Bob Carroll Jr. (Jake Lacy i Ronny Cox) służą jako gadające głowy, które zamykają film i pojawiają się co jakiś czas, aby dać tło historyczne. Istnieją również retrospekcje do ważnych momentów w związku Lucille i Desi Arnaz (Javier Bardem), które próbują uosabiać ich romans, więc jego rozpad w trakcie filmu niesie bardziej emocjonalny cios, ale te sceny czują się dodane z obowiązku, mimo że wcale nie grają w centralny konflikt Walki Lucille Ball o oczyszczenie jej imienia z publicznych oskarżeń o komunizm.

Głównym powodem, dla którego Maria Antonina pracuje jako opowieść, jest to, że odrzuca te konwencje, których oczekuje się od filmów historycznych. Nie ma retrospekcji z dzieciństwa Marie w Austrii, żadnych gadających głów niezgrabnie wstawionych, aby wyjaśnić Rewolucję Francuską, ani końcowej karty tytułowej wyjaśniającej, co dzieje się ze wszystkimi postaciami po zakończeniu filmu. Krytycy w 2006 roku słusznie zauważyli, że Sofia Coppola nie wydaje się zainteresowana francuską historią polityczną, ale wyciągnięte z tego wnioski—że była tylko jakimś głupim narcyzem, robiącym bezsensowny puch—zupełnie nie mają sensu. Wykorzystuje historię Marii Antoniny jako coś więcej niż tylko listę wydarzeń historycznych. Film Coppoli opowiada o kobiecie uwięzionej w pozłacanej klatce, zmuszonej do podporządkowania się absurdalnym rytuałom i sztywnym rolom płciowym. Stara się zrekompensować swoją skrajną samotność ekstrawaganckimi imprezami i drogimi przedmiotami materialnymi. Mdła opowieść Sorkina o wydarzeniach z życia Lucille Ball całkowicie zaciemnia wszelkie możliwości stworzenia jej historii o czymkolwiek poza jej powierzchnią, a jego ambiwalencja wobec tych wydarzeń doprowadziła do wyobcowania fanów ludzi, których przedstawiał.

Nie chodzi o to, że presentyzm nie ma miejsca w popularnych mediach ani o to, że jego włączenie jest związane z wywołaniem luzu, ale o to, że filmowcy powinni starać się wykorzystywać go z umiejętnością i celem. Moulin Rouge! (Baz Luhrmann, 2001) i West Side Story (Steven Spielberg, 2021) to hollywoodzkie filmy XXI wieku pod silnym wpływem presentyzmu. Moulin Rouge! zawiera muzykę pop XX wieku, nasycone podniebienie kolorów i montaż wideoklipów w stylu MTV w ramy włoskiej opery i melodramatu Bollywood, aby podkreślić uniwersalność jego tematów. West Side Story Spielberga wykorzystuje wiedzę z perspektywy czasu, aby przerobić to, co pierwotnie było wyrwane z nagłówków współczesnego dramatu, na utwór z epoki, ze scenariuszem Tony ’ ego Kushnera pracującym nad rozszerzeniem tematów gentryfikacji życia imigrantów w Nowym Jorku, rasizmu i młodocianej przestępczości.

Dodaj komentarz

Twój adres e-mail nie zostanie opublikowany.